Muriel Cayet apprend à peindre

Muriel Cayet propose un accompagnement à l'art pictural


Après son exposition à l'Orée des Thermes jusqu'au 29 janvier 2016 et sa conférence-rencontre qui avait lieu le mercredi 13 janvier 2016

le journal La Montagne s'est fait l'écho de sa prestation :


 

Une visite à l’Atelier de Muriel Cayet

Toujours un grand plaisir de retrouver Muriel Cayet

dans son univers et de découvrir ses dernières toiles.
Au cours de la discussion, Muriel me dit :

"La peinture c’est de la chair humaine sur la toile."
 

 
Muriel Cayet , au cours de ses ateliers d’expression picturale, exhorte ses stagiaires à mettre tout leur ressenti sur la toile,

leur demande de puiser l’inspiration au plus profond d’eux-mêmes et ensuite de laisser faire la main.

Muriel Cayet se plait à dire que nous sommes tous des artistes !

A chacun de s’exprimer quand il le souhaite et par le moyen qui l’attire.


 

Visite de l'atelier de Fernando Agostinho mai 2015

Nous avons rendu visite à Fernando Agostinho.


Voici quelques photos prises dans son atelier :



L’artiste est perpétuellement en recherche de nouvelles créations.

Son monde ludique s’est enrichi depuis quelques mois de marins, de bibis à plumes, de sculptures plumeau.

Toujours aussi pointu dans son art, de plus en plus apprécié dans le monde entier, Fernando Agostinho n’en reste pas moins humble et sympathique.
Il forme en permanence deux apprentis, dont son fils qui commence à réaliser de belles pièces.

Ses fours tournent en permanence depuis 20 ans sans aucune interruption, nous a-t-il dit ! Une tonne de gaz consommé par mois !

A la dernière exposition que nous avons réalisée, les commentaires ne tarissaient pas d’éloge sur son travail.

Personne ne peut rester indifférent devant ses sculptures colorées.

La créativité débordante de Fernando Agostinho fait la différence avec les autres artistes verriers de talent de sa génération.

L'Aquarelle, technique de peinture

LA TECHNIQUE DE L'AQUARELLE

Le terme « peinture » désigne la matière et la pratique qui consiste à appliquer une couleur sur des surfaces comme la toile, le bois, ou bien d’autres supports.
Dans un sens artistique, le terme peinture signifie la combinaison de cette activité avec le dessin.


Aujourd’hui, nous allons nous intéresser à la technique de l’aquarelle.

Histoire de l’aquarelle

L’aquarelle vient du mot italien « aquarello » qui signifie : couleur détrempée.
La racine étant le latin « Aqua » signifiant : eau.
C’est dans les grottes d’Altamira et de Lascaux que cette technique de peinture, d’association de pigments et d’eau,  se retrouve au temps de la préhistoire.
L’aquarelle est donc une technique très ancienne !
A l’époque Egyptienne, elle était utilisée aussi. Les égyptiens employaient des couleurs provenant de pigments tirés de la terre, de minéraux, ils les diluaient avec de la gomme arabique ou du blanc d’œuf et les appliquaient sur des feuilles de papyrus, mélangées avec de l’eau.
Au début du IX éme siècle cette technique de peinture se développe et se répand en Europe.

Mais l’histoire de l’aquarelle, en tant qu’art, commence vraiment à la Renaissance.

L’artiste allemand Albrecht Durer (1471 – 1528) est considéré comme l’un des premiers représentants de ce genre à la Renaissance.

Définition de l’aquarelle

Les couleurs de l’aquarelle sont constituées d’un mélange de pigments broyés et de gomme arabique. On délaye ces couleurs dans de l’eau. On les étale ensuite au pinceau, en couches très légères, dans une progression de la teinte la plus claire vers la teinte la plus foncée.
L’eau s’évaporant, la gomme arabique retient les pigments sur le papier.
L’aquarelle donne des tons très transparents.

Matériel

Il suffit de peu de matériel pour exprimer l’art de l’aquarelle.
Des petits pots ou tubes de peinture, du papier plutôt épais, quelques pinceaux et de l’eau.

Difficultés de la maîtrise de l’aquarelle

L’aquarelle  est une technique de peinture qui ne supporte pas l’improvisation.
L’aquarelle a ses obligations et ses rigueurs.
Dans cette technique de peinture, l’eau joue le rôle prépondérant.
Maitriser la dilution de l’eau et ses effets sur les couleurs est une des principales difficultés.
En raison du court temps de séchage, l’aquarelle nécessite une grande rapidité d’exécution.
L’artiste peut ajouter des additifs aux pigments pour rechercher de nouveaux effets. Ces additifs peuvent ralentir le temps de sèchage, ou au contraire l’accélérer. D’autres substances choisies par l’artiste, peuvent modifier le caractère de la peinture en la rendant plus brillante, plus visqueuse ou plus opaque.

Aquarelle Maryline Simon de l'Atelier des Couleurs de Vichy

Le Lavis

Le lavis est la base de la technique de l’aquarelle. C’est une technique picturale consistant à n’utiliser qu’une seule couleur qui sera plus ou moins diluée, pour obtenir différentes intensités, en jouant avec le blanc du support.
Le lavis peut s’appliquer sur papier sec ou mouillé (on parle alors de lavis mouillé).
Le lavis ne supporte aucune retouche.

Le Glacis

Le glacis est une fine couche de couleur transparente que l’artiste va étendre sur une couleur déjà séche.

L’aquarelle fascine par ses couleurs brillantes qui donnent l’impression de nuances délicates appliquées avec légereté sur le papier.
Les couleurs se répandent sur le papier et donnent cet effet de transition douce sur la peinture.
 

En pratiquant l’aquarelle, l’artiste peut multiplier les nuances à l’infini

 

Etre artiste peintre - l'Atelier des Couleurs

LE METIER D’ARTISTE PEINTRE

Et oui, c’est bien un métier ! Etre artiste-peintre est bien plus qu’une simple activité de loisir, c’est un métier, une passion, un véritable art de vivre. Cela nécessite de nombreuses compétences et aptitudes. Certains artistes les ont naturellement, d’autres doivent travailler davantage. Comme dans tous les domaines, la qualité du travail et l’audace font partie des éléments indispensables.

L’artiste-peintre doit être audacieux

Il en faut du courage pour passer outre les préjugés. Etre artiste c’est un choix de vie, mais aussi un combat de tous les jours, confronté à l’inconfort, aux critiques et aux doutes.

L’artiste-peintre doit être créatif

En plus de connaître et maitriser son art, l’artiste doit être créatif ; quel dilemme lorsque l’inspiration ne vient pas ! L’angoisse de la création, le souci de ne pas gâcher toiles et pigments sont permanents lorsqu’un artiste débute.

Créations d'artistes-peintres à l'Atelier des Couleurs de Vichy

L’artiste-peintre doit apprendre

Créer, c’est bien, mais encore faut-il que la qualité soit au rendez-vous !
L’apprentissage existe en peinture comme dans tout autre métier. Qui dit apprentissage, ne dit pas forcément école de peinture agrée par l’état. L’avantage du milieu artistique est qu’il existe d’autres alternatives à l’école des Beaux Arts : des ateliers privés, des ateliers d’artistes, des stages, des associations. Consulter des livres de référence, étudier le travail de ceux qui ont réussi, se renseigner sur le net, connaître l’histoire de l’art sont aussi des moyens d’apprendre et de progresser.
Une excellente formation consiste à copier le travail des grands maîtres. L’artiste doit, pour bien maitriser son art, beaucoup pratiquer. Peindre, et encore peindre, et toujours peindre.

L’artiste-peintre doit avoir quelque chose à exprimer

L’art est un langage universel. La technique n’est pas suffisante pour réussir, il faut aussi, en dehors de la créativité, avoir un message à transmettre ou une émotion à exprimer.
Pour cela, il faut nourrir son âme, son cœur et son esprit. Un artiste riche intellectuellement, spirituellement ou émotionnellement aura bien évidemment plus de choses à transmettre, exprimer et partager.
L’inspiration peut se trouver partout : les voyages, les livres, les musées, les conférences, l’actualité, la nature, les relations humaines etc……
L’émotion, ou la douleur peuvent être le point de départ d’une carrière artistique. Ce qui existe aussi en musique ou en littérature.

L’artiste-peintre doit avoir des moments de solitude

Il ne faut pas craindre la solitude quand on est artiste, c’est un état nécessaire. Elle permet à l’artiste de se concentrer, de prendre du recul, la solitude permet alors la réflexion et la création.

L’artiste-peintre doit choisir sa technique de peinture

Pour un artiste, il est souvent difficile de se décider pour une technique de peinture ; il faut essayer toutes les techniques de peinture, et c’est après plusieurs mois, années, que l’artiste se fixe sur une technique particulière.
Les techniques de peinture sont nombreuses, citons les plus utilisées aujourd’hui : l’aquarelle, la peinture à l’huile, l’acrylique.

Nous étudierons plus en détail chaque technique de peinture au cours de nos prochains billets d’art.

L’artiste-peintre doit vendre ses toiles

On pourrait presque dire que l’artiste doit être « multitâche », car pour vivre de son art, l’artiste doit vendre ses toiles. Donc l’artiste doit avoir, également, des dons de communication, de marketing, de commercial, de publicitaire, de comptable …..
Difficile de conjuguer toutes ces activités, c’est pour cela que des agents ou des galeries prennent souvent le relais.

 

L’art contemporain expliqué par l'Atelier des Couleurs

Comment peut-on définir l'art contemporain ?


L’art contemporain consiste en l’art créé à ce point présent dans le temps.
Mais les musées d’art contemporain présentent des collections depuis la seconde guerre mondiale.
La notion d’art contemporain pour certains remonte aux années 80.


L’expression « art contemporain » est entendue et imprimée partout, elle devrait donc être comprise de tous.

Et bien non, c’est une définition très souvent contestée !
« Aimez-vous l’art contemporain ? » « Non, je n’aime pas l’art moderne. »
La réponse, apparemment, est très claire.


Et bien, NON ! ERREUR …. L’art moderne s’arrête à la deuxième guerre mondiale, alors que l’art contemporain, définition généralement admise, commence dès la fin de la guerre, en 1945.

La fracture avec la forme traditionnelle de l'art du XIX ème siècle :


En plus de la différence chronologique, l’art contemporain véhicule l’idée d’une image opposée à ce qui est « banal » ou pire « dépassé ».
Globalement, le sens de l’art contemporain serait d’être en rupture avec des formes dites « traditionnelles ».
Ce que l’on appelle « art contemporain » s’attacherait à rompre avec le cadre classique issu du XIX ème siècle.
Il s’appuie également sur de nouvelles technologies.

Résumé sur l'art contemporain :


On peut dire que l’art contemporain désigne à la fois, une période dans l’histoire, et un type d’art particulier.

Oeuvre Art contemporain exposé par l'Atelier des Couleurs Vichy

L’art contemporain et son public :


Une image peut avoir beaucoup plus d’impact qu’un discours car les suggestions qu’elle provoque, échappe aux défenses conscientes.

L’art contemporain : un art hermétique, difficile à comprendre ?

« Une œuvre qui a besoin d’une explication pour être comprise est un échec », pensent certains.
Une œuvre doit-elle se suffire à elle-même ? Pour beaucoup d’amateurs d’art, la réponse est oui.
D’autres répondront : « si on ne comprend pas, on demande une explication à l’artiste ou au galériste ».
Et on peut pousser la réflexion plus loin, en admettant que, soit le visiteur est stupide, soit il n’y a rien à comprendre dans l’œuvre qu’il regarde !


Pourtant, il existe un public en art contemporain qui accepte docilement le fait de ne pas comprendre. Un public qui se dit que si la toile est chère, voire même très chère, c’est qu’elle doit avoir une vraie valeur.

Trop de questions sur l'art contemporain ?


Lors de la biennale de l’art contemporain à Lyon, en novembre 2013, bon nombre de questions ont été posées . Parmi celles-ci :

  • « Pourquoi l’art contemporain rend con ? »
  • « Pourquoi les artistes se prennent-ils pour des philosophes ? »
  • « Pourquoi la question esthétique n’est plus au centre ? »
  • « L’art contemporain s’adresse t-il à tout le monde ? »
  • « L’art contemporain se réduit -il au spectaculaire ou au superficiel ,
  • « L’art contemporain est-il un non-art ? »
  • « L’art contemporain est-il élitiste ? »
  • « L’art contemporain est-il une destruction de nos représentations anciennes ? »


Luc Ferry, dans son livre, « L’innovation destructrice », donne son point de vue sur l’art contemporain.
Il prône la beauté, met en avant « les artistes qui tentent d’innover, mais pas dans la dérision et le non-sens, mais en cherchant de nouvelles significations, de nouvelles figures de la beauté, pour rompre enfin, avec la logique avant-gardiste de l’innovation pour l’innovation, de la rupture pour la rupture …. »

Bien évidemment, il faut différencier l’art contemporain hermétique, impénétrable, provocateur et décalé de l’art contemporain plus soft, harmonieux et inventif.
Je rapporterai les propos d’une charmante dame venue à une exposition de l’Atelier des Couleurs, accompagnée de son mari, qui me disait : « nous apprécions les artistes exposés, car mon mari a horreur des expositions où l’on ne sait pas dans quel sens il faut regarder les toiles ! »

Ne peut-on pas, tout simplement, aimer ou ne pas aimer une œuvre d’art, prendre plaisir ou pas à la regarder, comme on prend plaisir à écouter un concerto de Ravel, sans pour autant, avoir une culture musicale développée ?

En savoir plus ?

Le style des oeuvres de l'Atelier des couleurs vous intéressent ?

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